¿Qué hay de nuevo en el teatro noruego?
Por Anne-Britt Gran Dr.philos
En lo que se refiere al arte escénico en Noruega, dos acontecimientos en particular han marcado la vida pública de estos últimos años. Uno es la cons-trucción de una nueva ópera noruega en Bjørvika, Oslo. El otro es el éxito del dramaturgo Jon Fosse en las escenas nacionales y extran-jeras. Para un país pequeño como Noruega, construir una nueva ópera y descubrir que ha nacido un "nuevo Ibsen"- calificativo frecuentemente empleado al hablar de Fosse constituyen ya de por sí dos acontecimientos teatrales, aunnque existen otros: nuevas formaciones dramáticas, nuevos proyectos de teatro en el ámbito regional y nuevas asociaciones artísticas son también parte del paisaje teatral noruego.
Esperando la nueva ópera de Oslo, el público puede disfrutar de una nueva vitalidad tanto del teatro como de la ópera.
Nueva dramaturgia noruega
Jon Fosse ( nacido en 1959) es el dramaturgo noruego más representado por el momento, tanto en Noruega como en el extranjero. En Noruega, se representan anualmente obras de Fosse en dos o tres escenas, y el director Kai Johnsen ha montado numerosas de sus piezas. En el periodo 1999-2002, 12 piezas de Fosse se encuentran repartidas por más de 40 escenas de Europa. El dramaturgo goza de una enorme popularidad en Francia y Alemania. Las más representadas de sus obras son "El nombre (Namnet,1995), "Alguien va a venir" (Nokon kjem til å komme,1996), "Canciones de noche" (Natta syng sine songar,1998), "Un día de verano" (Ein sommars dag,1998) y "Sueño de otoño" (Draum om hausten, 1999). Fosse escribe igualmente novelas, poesía, ensayo y literatura infantil, y su producción está traducida a más de 20 idiomas.
Lo característico del teatro de Fosse es su estilo minimalista, denso y reiterativo, a medio camino entre el realismo y el absurdo, del cual el lenguaje poético nunca está lejos. Sus piezas exploran las relaciones o la ausencia de éstas entre los individuos y sus personajes se encuentran en situaciones existenciales fuera de lo común.
Fosse escribe en uno de los idiomas oficiales, el nynorsk (neo-noruego), lengua normalizada que, en Noruega, no puede ser disociada de su estilo y su historia. La singularidad del nynorsk es un aspecto de la obra dramática de Fosse que, a veces, puede no pasar a través del tamiz que es la traducción a otros idiomas.
Sin embargo, Fosse no es el único escritor que ha renovado la dramaturgia noruega. Lene Therese Teigen es un brote tierno que le ha salido al tronco del teatro noruego. Su pieza Mater Nexus fue comprada por el Stockholms Stadsteater ya antes de su estreno mundial en Det Åpne Teater (El Teatro Abierto) en 2001. Colombine Teaterförlag, la editorial que ahora lanza a Lene Therese Teigen en el mercado escandinavo, contribuyó en su época a convertir a Fosse en un nombre importante en Europa. Evidentemente, puede parecer una ironía del destino que sea una editorial sueca la afortunada en exportar al mayor autor dramático noruego de nuestros días.
En 2001, el Ministerio de Asuntos Exteriores decidió obrar en favor del teatro noruego sobre el mercado americano. Cinco piezas, escritas concretamente por Cecilie Løveid y Finn Junker, fueron traducidas y presentadas en los Estados Unidos. Pero en Noruega también se apuesta ahora también por los autores dramáticos, especialmente mediante la puesta en funcionamiento de una nueva formación en dramaturgia.
Formación en dramaturgia
Det Åpne Teater, Nationaltheatret (el Teatro Nacional de Noruega), Det Norske Teatret (El Teatro Noruego, que presenta exclusivamente espectáculos en nynorsk) y Statens Teaterhøgskole (La Escuela Nacional Superior de Teatro) están en los orígenes de esta nueva formación, a la cual también contribuye financieramente la institución Fritt Ord (la libre palabra). Este proyecto se presenta a modo de oferta de formación de dos años propuesta a tres dramaturgos que, durante dicho periodo, se beneficiarán de una iniciación completa en teoría del teatro, dramaturgia e historia del arte dramático. Pero ante todo, los dramaturgos tendrán la ocasión de trabajar en sus propios textos junto con profesionales del teatro. La formación estará en vigor a partir de agosto de 2001. La particularidad del modelo de estudios escogido reside en el hecho de que cada estudiante tendrá atribuído un consejero personal que le seguirá a lo largo de toda su formación. La formación será organizada en contacto estrecho con el medio del teatro profesional.
La formación teatral recientemente creada ha captado la atención de 50 candidatos en su primera promoción, lo que demuestra el gran interés existente en Noruega por la escritura de obras de teatro.
Formación en el teatro de figuras
La Academia de teatro de figuras de Fredrikstad fue fundada en 1996 formando parte del Centro de Estudios Superiores de Østfold. La formación dura tres años y la orientación de los estudios es fundamentalmente contemporánea y se centra sobre el teatro de objeto, las formas de la performance y los multimedia. Esta formación ha abocado igualmente a un mayor reclutamiento de grupos de teatro de figuras y de numerosos proyectos, para los cuales los grupos Hollow Creature y Teater Fusentast han recibido subvenciones del Consejo Noruego de Asuntos Culturales. Finalmente, en 1994, se creó el Festival internacional de teatro de figuras de Kristiansand.
La nueva academia, los nuevos grupos de teatro de figuras y el Festival de Kristiansand han contribuido a realzar la imagen del teatro de figuras en Noruega. El teatro de figuras se ha convertido en algo más que "teatro de marionetas para niños". El propio género participa en la puesta en cuestión del realismo escénico que durante tanto tiempo ha dominado en las escenas noruegas. El coreógrafo Jo Strømgren ha hecho en gran medida uso de los medios que ofrece el teatro de figuras.
Nuevo Festival de Teatro contemporáneo y Festival Ibsen
En 1990, el más célebre de los dramaturgos noruegos obtuvo su propio festival. Había nacido el Festival Ibsen, cuyo objetivo principal era la presentación al público de nuevas producciones de obras de Ibsen, noruegas o extranjeras, de gran calidad artística. Desde 1999, se han organizado siete festivales con presentaciones especiales de espectáculos procedentes de Gran Bretaña, Bosnia, Grecia, Alemania, Francia, China, Burkina Faso, Lituania, Armenia y Palestina. Noruega, por su parte, ha representado sus producciones del Festival en Japón, China, Rusia y Gran Bretaña.
Se ha convertido en una tradición del Festival presentar también una pieza noruega. Los estrenos de Barnet (El niño), de Jon Fosse, y Østerrike (Austria), de Cecilie Løveid, tuvieron lugar en el marco del Festival Ibsen. Se ha hecho igualmente tradición invitar una producción extranjera que no sea una puesta en escena de Ibsen, lo cual ha permitido al público noruego presenciar espectáculos montados por directores teatrales de renombre como Robert LePage y Nekrosius.
Entre los acontecimientos artísticos del Festival 2000 figuraban Hedda Gabler, puesta en escena por Gentarus Varna, y Los Espectros, bajo la dirección de Sebastian Hartmann. Entre las aportaciones noruegas se distingue la obra Genanse og verdighet (Timidez y dignidad), adaptada de una novela de Dag Solstad. La adaptación teatral y su puesta en escena, realizadas por Marit Moum Aune, fue uno de los mayores éxitos de público del año.
El director artístico de Nationaltheatret, Eirik Stubø, recientemente nombrado, ha introducido el Festival de Teatro contemporáneo, que se organizará un año sí y otro no, alternando con el Festival Ibsen. En él se dará un puesto de honor a las nuevas formas de arte dramático y su primera edición tendrá lugar el presente otoño (2001).
Nueva ópera
La nueva ópera de Bjørvika, barrio de la zona portuaria de Oslo, ha sido diseñada por el estudio de arquitectos Snøhetta y se espera esté acabada en 2008. Con motivo de esta nueva construcción se suscitó un amplio debate público, dominado por los arquitectos, los economistas y los urbanistas, en torno a la renovación del conjunto de Bjørvika. En tal contexto, la discusión recurrente con respecto a la orientación artística de la futura ópera es menos visible, pero no menos importante. La nueva ópera estará dotada de una gran escena y de otra más pequeña, lo que posibilitará la alternancia más frecuente entre el repertorio tradicional y el experimental, tanto por lo que se refiere al ballet como a la ópera.
Siguiendo con el tema de la nueva ópera, se ha decidido apostar por el desarrollo de nuevas óperas contemporáneas noruegas. Los proyectos Operatoriet y Attaca-00, ambos financiados por el Consejo Noruego de Asuntos Culturales, han conducido en los últimos años a varios pre-estrenos de obras dramáticas musicales: Sera, compuesta por Henrik Hellstenius, The maid of Norway (La doncella de Noruega), compuesta por Kjell Habbestad, Hjerterdame til Ringve (Dama de corazones de Ringve), compuesta por Bertil Palmar Johansen y Nokon kjem til å komme (Alguien va a venir) de Jon Fosse, compuesta por Knut Waage. El proyecto del Consejo Noruego de Asuntos Culturales titulado "Mens vi venter på operaen" (Esperando a la ópera) mantiene este nuevo objetivo en 2001.
El hecho de que la nueva ópera se halle, como la anterior, en Oslo, no significa en absoluto que toda la actividad operática de Noruega tenga lugar en la capital. Existen más de diez medios operáticos de emplazamiento regional que producen uno o varios espectáculos al año. Las óperas se montan en Kristiansund, Bergen, Trondheim, Kristiansand y Ringsaker. Muchas de estas producciones se realizan en cooperación con Den Norske Opera (La Ópera Nacional de Noruega), que organiza numerosas giras. Otros proyectos son el fruto de cooperaciones con países tales como Rusia, Suecia y el Reino Unido.
En Bergen, Opera Vest (Opera Oeste) está especializada en ópera contemporánea y ha montado seis óperas de producción noruega. Opera Vest tiene, además, una amplia cooperación internacional.
Nuevo auge de los espectáculos históricos
En la década de 1990, los espectáculos históricos experimentaron un acusado aumento del interés del público en Noruega. Los temas de dichos espectáculos pueden ser extraídos de acontecimientos históricos, de mitos o leyendas. Un gran número de ellos tratan de la Edad Media y se representan con ropajes y decorados históricos. Estas producciones son frecuentemente el fruto de la cooperación entre actores profesionales y aficionados locales.
El elemento esencial de los espectáculos históricos es su representación en el sitio geográfico donde se piensa que tuvo lugar el acontecimiento original. El espectáculo está enteramente vinculado a su localización geográfica, lo que hace que el público tenga que desplazarse al lugar en concreto para presenciarlo. Los espectáculos históricos no salen nunca de gira. Todos se representan al aire libre, en verano, y muchos de ellos pueden ser presenciados en un entorno espectacular con tal de que no llueva.
En el periodo de 1987 a 1995, aumentó el número de representaciones de carácter histórico, pasando de 20 a 85. En 1995, el jubileo de la Iglesia dio lugar a una serie de nuevos espectáculos sobre la cristianización de Noruega. Por lo tanto, numerosas producciones se representan una sola vez, en ocasión del jubileo de un acontecimiento histórico, mientras que otras son re-presentadas año tras año. La más antigua y conocida es "La Gesta de Olaf el Santo" (Spelet om heilag Olav), representada en Stiklestad, región de Nord -Trøndelag. El espectáculo se viene montando todos los años desde 1961. En la actualidad, participan más de 300 actores y la acción se desarrolla a dos pasos del lugar donde cayó el Rey Olaf el Santo, en la batalla histórica de Stiklestad, lo cual confiere al conjunto un cierto carácter cultural.
Las regiones de Trøndelag y Nordland cuentan indiscutiblemente con el mayor número de espectáculos históricos. Oslo, por el contrario, se sitúa al pie de la escala, hecho que concuerda perfectamente con la raigambre local y regional de estos espectáculos, algo que en la región de la capital se reconoce muy poco. El desarrollo de los espectáculos de carácter histórico parece estar vinculado al interés creciente que existe por la identidad y las actividades locales y regionales. Las piezas históricas movilizan a muchos autóctonos y atraen como público tanto a turistas como a los habitantes de la región.
Nuevo contexto multicultural para el teatro
Noruega no es ya un país homogéneo, únicamente compuesto de noruegos de etnia blanca. De hecho no lo ha sido nunca, dado que la población autóctona sami también vive en su territorio. Los immigrados hicieron su aparición en Noruega en 1960. El teatro noruego ha sido siempre una cuestión profundamente nacional, hecho debido en gran parte a que las escenas de Noruega fueron instituidas en el siglo XIX como una manifestación de independencia frente a la cultura dominante danesa. Es una herencia de la que el teatro noruego sigue sin desprenderse por completo, aún en la actualidad, y que va en detrimento del nuevo contexto social multicultural.
En 1990, después de largos años de lucha cultural, los Sami obtuveron su propio teatro, Beaivvás Sámi Teáther. El sami es actualmente el tercer idioma oficial de Noruega, y Beaivvás Sámi Teáther es un teatro nacional subvencionado por el Estado, en igualdad de condiciones con Nationaltheatret de Oslo.
En 1991, se creó Nordic Black Theatre. Este teatro, que se dirige particularmente a los artistas inmigrados y del Tercer Mundo, funciona en locales situados en el sector este de Oslo, donde viven la mayor parte de los inmigrantes. Nordic Black Theatre imparte también cursos de teatro, pero las subvenciones públicas han fluctuado, por lo que el teatro sobrevive a duras penas.
Los últimos años se ha mantenido un debate público a propósito de la ausencia de actores de color en las instituciones teatrales tradicionales. En Noruega, no es corriente recurrir a "blind castings" (donde el color de la piel no se tiene en cuenta), sino que el papel sigue más bien al color. La Solveig de Ibsen (Peer Gynt) es siempre blanca y rubia. Una corporación de actores de color, cada vez más conscientes y orgullosos de su origen, ha empezado a retar la hegemonía blanca noruega en los teatros institucionales. Desde este punto de vista, la legitimación del carácter nacional del teatro noruego está siendo gradualmente cuestionada.
Gracias al género popular de la comedia en solitario o stand- up, Shabana Rehman, actriz joven de origen paquistaní, ha suscitado gran interés. Quitándose el velo en escena, literalmente, ha puesto en tela de juicio tanto el estereotipo noruego acerca de la mujer musulmana, como las expectativas musulmanas con respecto a la mujer estereotipo. Las actuaciones en público de Rehman suscitan vivas reacciones, y su espectáculo de humor stand-up es, tal vez, lo que más se acerca al teatro político activo en la Noruega contemporánea. Sin embargo, no se la encuentra en las principales escenas del país, sino en locales de espectáculos urbanos.
Nuevas asociaciones artísticas
Desde el siglo XIX, el teatro noruego está marcado por la tradición de Ibsen. La dramaturgia, la puesta en escena y la interpretación de los actores han estado dominados por el realismo y numerosas generaciones de autores dramáticos y directores han intentado dulcificar o renovar el realismo, al objeto de desvincularse de él. Esto se ha logrado sólo parcialmente, por lo que hoy día el realismo sigue dominando las principales escenas de los teatros subvencionados noruegos.
Las compañías noruegas denominadas de "teatro independiente" han sido las más inclinadas a presentar un lenguaje escénico más moderno, después postmoderno. Grupos de teatro como Grenland friteater (Teatro libre Grendland), Totalteatret (El teatro total), Cirkateatret (El teatro aproximativo), Verdensteatret (El teatro del mundo), Passage Nord y BAKtruppen desafían desde hace varias décadas al realismo escénico noruego. El medio teatral extrainstitucional de Noruega tiene la posibilidad de presentar sus producciones principalmente en tres escenas: Black Box Teater de Oslo, Avantgarden de Trondheim y Teatergarasjen de Bergen. Los grupos de teatro independientes tienen también una actividad internacional de envergadura gracias a su participación en festivales de teatro importantes. El Bergen Internasjonale Teater (BIT) ha aportado a Noruega a una serie de espectáculos invitados de primera clase en los campos de la danza y el teatro contemporáneos. Además, el BIT ha apostado por coproducciones con actores extranjeros, lo que le ha permitido crearse una extensa red de relaciones internacionales.
Durante casi 20 años, los grupos de teatro independientes y los teatros institucionales han evolucionado en compartimentos estancos. En la segunda mitad de la década de 1990, nacieron, como fruto de la cooperación entre ambos mundos, nuevas producciones con resultados artísticos apasionantes. El espectáculo Sult (Hambre), basado en la novela de Knut Hamsun, resultó de la colaboración entre el teatro de arte y ensayo Oslo Moderne Teater (Teatro Moderno de Oslo) y Nationaltheatret. Yngve Sundvor se encargó a la vez de la adaptación teatral y de la puesta en escena, que le valió el premio de la crítica 1999 por el espectáculo. Stor stue for ingenting.no (Gran salón para nada.no) de Petter S. Rosenlund, dirigido por Catrine Telle con coreografía de Ingun Bjørnsgaard, es igualmente el fruto de una cooperación en la que Nationaltheatret representaba al teatro subvencionado. Bjørnsgaard había traído bailarines de su propia compañía de danza.
La obra Tater (Gente errante), texto y dirección de Per-Olav Sørensen, presentada en Oslo Nye Teater (Nuevo Teatro de Oslo), es otro ejemplo de la revitalización del lenguaje escénico mediante proyectos de cooperación. Muchos de los principales actores de Tater habían sido reclutados fuera de los teatros subvencionados y procedían de tradiciones estéticas muy alejadas del realismo psicológico, lo que ha dado origen a una nueva forma de teatro híbrido, en virtud de la cual los medios realistas se asocian a la danza moderna, a un lenguaje corporal estilizado, a los efectos de puesta en escena teatral y a una dramaturgia no aristotélica.
Desde el punto de vista puramente estético, lo característico de esta evolución podría calificarse de "giro coreográfico": la expresión teatral se hace cada vez más estilizada en dirección de la danza. En las piezas Stor stue for ingenting.no y Tater, la coreografía estaba completamente integrada en el lenguaje escénico. Simultáneamente, la danza moderna se teatraliza. Coreógrafos como Jo Strømgren, Ingun Bjørnsgaard e Ina Christel Johannessen orientan sus coreografías a la vez hacia el teatro y hacia diversas otras modalidades de performance. La distinción tradicional entre el teatro y la danza artística están, desde hace tiempo, al borde del colapso: en los teatros subvencionados tradicionales podemos ver actualmente nuevas combinaciones de teatro hablado y cuerpos coreografiados.
Anne-Britt Gran es titular de un doctorado de Arte Dramático con el título de Dr. Philos. Trabaja en el Instituto de Música y Teatro de la Universidad de Oslo y en el Instituto de Gestión de Recursos Humanos del Grupo de Escuelas Superiores de Comercio de Noruega. Escribe igualmente crítica de teatro en el diario Morgenbladet.
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Producido por Nytt fra Norgepara el Real Ministerio de Asuntos Exterioresen septiembre de 2001. El autor del artículo se hace responsable del contenido. Se permite la reproducción.
